'Global Museum Pass/MoMA' (5건)


전후(戰後) 시대 미국의 가장 중요한 예술가 중 한 명으로 손꼽히는 현대 미술가이자 영화감독 브루스 코너(Bruce Conner). 그의 사후 첫 번째 회고전 'BRUCE CONNER: IT’S ALL TRUE'가 2016년 7월 3일부터 10월 2일까지 현대미술의 요람, 뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 열린다.





'BRUCE CONNER: IT’S ALL TRUE'展, 반세기 동안 펼쳐온 브루스 코너의 작품세계를 총망라하다


'BRUCE CONNER: IT’S ALL TRUE'는 브루스 코너의 사후 첫 회고전이다. 아방가르드 필름 제작 선구자이자 미국의 대표적 현대미술 작가 중 하나인 브루스 코너는 초현실적인 회화작업을 시작으로 오브제를 모아 만든 조형 작업과 사진, 필름 몽타주를 활용한 실험영화로 작품 세계를 확장하며 이름을 알렸다. 이번 전시에서는 회화와 드로잉, 판화, 사진, 퍼포먼스, 미디어 아트 등 브루스 코너가 반 세기 동안 펼쳐온 작품 250여 점을 만날 수 있다.



브루스 코너, 다양한 매체와 테마를 탐구했던 현대미술계의 거장


1933년 미국 지방인 캔자스에서 태어난 브루스 코너는 2008년 작고하기까지 독자적 작품 세계를 구축하며 현대미술과 영화사에 큰 족적을 남겼다. 22살이 되던 1956년, 일찍이 뉴욕 갤러리의 전속작가로 자리 잡은 코너는 이후 2년 동안 미국의 여러 도시들을 오가며 독창적인 작품세계를 구축했다.


1958년, 브루스 코너는 뉴욕 갤러리 대표에게 “햄버거와 머스터드가 추상적 표현주의보다 가치 있다”라는 내용의 편지를 남기고 아내와 함께 캘리포니아주 샌프란시스코로 이주해 새로운 삶을 모색한다. 그는 뉴욕 미술계의 상업적인 풍토와 결별하고 더 자유로운 작품세계를 구축하게 되었는데 매체와의 인터뷰에서도 샌프란시스코 작가들이 대중의 인정을 받지 못 하는 점을 자랑스럽게 묘사하였고, 작품을 팔아야 하는 걱정이 없어 창작의 자유가 번창할 수 있다고 언급하기도 했다. 이 특별한 샌프란시스코의 아트 씬은 브루스 코너가 더 다양한 매체와 테마를 탐구하고 도전하는 작가로 성장하는데 훌륭한 자양분이 된다.



기성품을 작품으로 변모시키는 아상블라주의 시도 'LOOKING GLASS' 1964


1950년대 활동 초기 시절 코너는 일상적인 물품들을 수집해 입체 작품으로 형상화하는 아상블라주 기법을 이용한 작품을 선보였다. 화장품, 스타킹, 보석 등을 한데 모아 만든 그의 아상블라주 조각은 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)을 비롯한 초현실주의자들의 ‘새롭게 발견된 오브제(Found Objects)’ 개념과도 궤를 같이 한다.


브루스 코너는 미국 팝아트의 중심 인물인 로버트 라우센버그(Robert Rauschenberg)와 비견되곤 한다. 다채로운 색채 속에서도 질서와 의미를 찾을 수 있는 작품 세계가 일맥상통 하기 때문이다. 'LOOKING GLASS'(1964) 등 브루스 코너의 작품은 정확한 의미를 가졌다기 보다 그가 바라보는 현대 미국의 일그러진 이면, 사회가 개인을 기형으로 만드는 기괴한 영향력, 여성에게 가해지는 폭력 등 여러 가지 발상을 암시하고 있다. 다양한 작품활동을 통해 코너는 아상블라주 운동을 이끄는 거장의 위치에 오르게 된다.


* LOOKING GLASS 작품 감상 하기



사회 이슈, 역사, 시대를 시각화하는 영화작업 'A MOVIE' 1958


브루스 코너는 자신의 재능을 확장시키는데 스스럼이 없었다. 그는 사진과 영화로 방향을 선회해 예술적 역량을 과시했는데 회화와 조각 작품에서 ‘발견된 오브제’ 개념을 활용했듯이, 영화 작업 역시 기존 필름(Found and New Footage)을 새롭게 재탄생 시켰다. B급 영화와 뉴스 필름을 비롯한 모든 장르의 이미지를 차용하고 서로 결합해 완성한 첫 번째 영화 'A MOVIE'(1958)는 그의 필모그래피에서 매우 중요한 작품으로 평가 받는다.



By Bruce Connor (A Movie) via

Wikimedia Commons



러닝타임 12분인 영화 'A MOVIE'를 통해 브루스 코너는 미국 사회에 팽배한 소비문화와 반대급부에 있는 빈곤, 핵무기에 대한 공포와 같은 주요한 사회 이슈를 거침없이 다뤘다. 이후에도 코너는 대부분의 영화에서 정치 내용을 다뤘는데 미국 문화의 폭력, 여성의 성 상품화 문제 등 당시의 시대상과 역사성을 시각화 했다.



렌즈 없이 구현한 독보적인 흑백 사진의 강렬한 이미지 'SOUND OF ONE HAND ANGEL'1974


경력을 더해가며 브루스 코너는 아상블라주와 필름의 경계를 넓히는 작업에 열중한다. 1970년대, 코너는 포토그래퍼 에드먼드 쉐어(Edmund Shea)와 함께 '천사들(ANGELS)'1974을 제작했는데, 이는 렌즈 없이 만드는 사람의 실물 크기의 포토그램(실루엣 사진)으로 큰 반향을 불러 일으켰다. 큰 사진 인화지 앞에 서서 감광을 한 뒤 필름을 현상 시켜 흑백 이미지를 완성한 '천사들(ANGELS)'은 브루스 코너만의 독보적인 방법으로 창조한 강렬한 작품이었다.


* SOUND OF ONE HAND ANGEL 작품 감상 하기



잉크 얼룩의 움직임으로부터 탄생한 거대한 빛의 세계 'BURNING BRIGHT' 1996


브루스 코너는 뛰어난 데생 실력을 바탕으로 디테일한 성격의 작업을 즐기는 예술가였다. 유성펜(네임펜)으로 복잡한 만다라 그림을 그리는가 하면 세심한 잉크 얼룩으로 식물, 문자, 도식, 수십 개의 작은 인물 등으로 컨버스를 채웠다. 작은 형상들이 모여 거대한 형체가 되고 흑과 백, 빛과 어둠의 차이가 긴장감을 자아내는 작품들을 그렸는데, 그 중 가장 압도적인 것은 'BURNING BRIGHT'(1996)이다. 브루스 코너는 18세기의 시인 윌리암 블레이크의 '호랑이(The Tyger)'(1794)에서 영감을 받아 'BURNING BRIGHT'의 제목을 떠올렸다고 한다.


Tyger! Tyger! burning bright

In the forests of the night

What immortal hand or eye

Could frame thy fearful symmetry?


윌리엄 블레이크의 시의 단어 하나하나가 빛을 향하듯 코너의 작품도 빛의 향연으로 가득한 것을 느낄 수 있다.


* BURNING BRIGHT 작품 감상 하기



20세기 현대미술계의 거장으로 재조명 되다


1967년 어느날 비틀즈의 존 레논이 코너에게 “저를 단순히 그저 그런 코너매니아(CONNERMANIAC)라고 생각하지 말아주세요.”라는 내용의 팬레터를 보낼 정도로 브루스 코너는 당대의 유명 아티스트들의 선망을 받는 스타 작가이자 우상이었다. 그러나 브루스 코너를 바라보는 미술계의 시선은 냉정했다. 그를 샌프란시스코에 기반을 둔 작가 정도로 분류하고 의미 있는 예술가로 인정 하지 않았다. 그러나 최근 브루스 코너의 작품이 재조명 되면서 마침내 브루스 코너는 예술성과 작품성, 대중성을 두루 갖춘 현대 미술의 거장 자리를 되찾게 되었다.



* 컨텐츠에 기재된 내용은 'BRUCE CONNER: IT’S ALL TRUE' 전시의 공식 도록 내용을 토대로 작성됨



Rudolf Frieling (Editor), Gary Garrels (Editor),

Stuart Comer (Contributor), Diedrich Diederichsen (Contributor), Rachel Federman (Contributor), Laura Hoptman (Contributor)

2016. Bruce Conner: It’s All True. Exhibition catalog, 3 July – 2 October 2016.



뉴욕을 여행하고 있거나, 머무를 생각이라면 MoMA에 들러 'BRUCE CONNER: IT’S ALL TRUE' 전시를 관람하길 바란다. 브루스 코너의 특별한 예술적 성취를 느낄 수 있는 색다른 경험이 될 것이다.





현대카드 혜택소개


대상

현대카드 플래티넘2 이상 카드 소지자


혜택

무료 입장(본인 및 동반2인까지)

MoMA 내 Cafe 2, Terrace 5 10% 할인

뉴욕 MoMA Design Store 20% 할인


기간

2016년 7월 3일~2016년 10월 2일


장소

The Museum of Modern Art(MoMA)

The Joan and Preston Robert Tisch Exhibition Gallery, 6th Floor

11 W 53rd St, New York, NY


문의

+1-212-708-9500 / www.moma.org


유의 사항

영문명 확인 가능한 신분증 지참 필수



This exhibition is made possible by Hyundai Card.

Generous funding is provided by The Jill and Peter Kraus Endowed Fund for Contemporary Exhibitions and by The Walton Family Foundation.

Additional support is provided by the MoMA Annual Exhibition Fund



뉴욕현대미술관(MoMA)과 샌프란시스코 현대미술관(SFMoMA)이 공동으로 기획한 이번 브루스 코너의 전시는 뉴욕에서 현대카드 단독 후원으로 이루어진다. 현대카드는 2010년 10월 뉴욕 추상표현주의(Abstract Expressionist New York) 전시와 2015년 피카소 조각전(Picasso Sculpture) 기획전시 등 지금까지 MoMA에서 열린 30여 개의 전시와 행사를 후원했다. MoMA PS1의 Young Architects Program은 현대카드 컬처프로젝트 : 젊은 건축가 프로그램을 통해서 2014년부터 한국에서도 동시에 개최하는 등 돈독한 파트너쉽을 지속하고 있으며, 앞으로도 MoMA에서 개최하는 수준 높은 전시를 계속 후원해 나갈 예정이다.





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Picasso Sculpture

September 14, 2015 – February 7, 2016

Museum of Modern Art, New York

The Alfred H. Barr, Jr. Painting and Sculpture Galleries, 4th Floor



뉴욕, 런던, 파리, 도쿄에 있는 세계 4대 현대미술관을 현대카드 한 장으로 감상할 수 있는 글로벌 뮤지엄 패스(GLOBAL MUSEUM PASS) 프로모션은 여전히 현재 진행형이다. 그 중 뉴욕 현대 미술관(MoMA)에서는 올 가을부터 현대카드의 후원 아래, 파블로 피카소 조각전이 시작된다. 2차원의 그림이 아닌, 피카소의 가장 입체적인 작품을 직접 만날 수 있는 흔치 않은 기회가 될 ‘Picasso Sculpture’ 전시는 2015년 9월 14일부터 2016년 2월 7일까지 이어질 예정이다.



‘Picasso Sculpture’展, 가장 입체적인 피카소를 만나다


‘Picasso Sculpture’ 전시는 우리에게 익숙한 화가 파블로 피카소(Pablo Picasso)의 회화 작품이 아닌 입체의 조각작품들을 선보이는 전시이다. 미국에서도 약 반세기 만에 피카소의 조각작품을 조명해보는 이 전시는 1902년부터 1964년 사이에 피카소가 제작한 약 140여점의 조각 작품들을 선보이며, 작품의 이해를 돕기 위해 사진과 드로잉들도 함께 전시함으로써 그에게 조각이란 매체는 어떤 의미였고 그가 조각작업을 통해 보여준 새로운 시도들은 예술사 안에서 어떠한 움직임들을 만들어 냈는지를 살펴보는 기회를 제공한다.



파블로 피카소, 그의 혁신적인 큐비즘 작품세계


스페인 남부지방 말라가(Malaga)에서 출생한 피카소(1881-1973)는 미술교사였던 아버지 밑에서 태어나 이미 그의 나이 열 네 살에 천재성을 인정받았다. 마드리드 왕립미술학교에 입학한 그는 곧 학교를 중단하고 스무 살이 되던 해에 파리로 이주하여 그 당시에 활동하던 르누아르(P. A. Renoir), 뭉크(E. Munch), 고갱(P. Gougain), 모네(C. Monet) 등 대표적 인상파 화가들의 영향을 받았다. 파리에 정착한 피카소는 인류학 박물관에서 아프리카인들의 조각품과 가면들을 보고 원시 예술품들에 깊은 감명을 받는다. 피카소는 이러한 아프리카 미술의 주술적이면서도 원시적인 감각과 강한 상징성들의 영향으로 동료 미술가인 조르쥬 브라크(G. Braque)와 함께 3차원적인 입체형태를 2차원의 평면에 표현하는 독창적인 입체주의 큐비즘(Cubism)의 이론과 기법들을 확립시켰다.



판화, 도예, 조각작품에 몰두한 피카소의 후기작업


10대에 천재로 인정받아 많은 대작을 선보여온 피카소는 말년에 판화와 도예 그리고 조각작업에 몰두했다. 전통적인 회화 교육을 거부하며 학교를 그만두었던 작가는 조각에서만큼은 충실한 수련을 받았다. 그럼에도 그는 당시 예술가들이 조각작업을 위해 사용했던 전통적인 재료들뿐만 아니라 이들이 작업을 위한 재료로 사용하지 않았던 일상의 재료들을 다양한 실험과 자유분방한 작업태도를 통해 조각작품에 활용하고 적용함으로써 특별할 것 없는 오브제들을 예술작품들로 재탄생시켰다.



피카소의 초기 조각작품 Absinthe Glasses, 1914



Pablo Picasso. Glass of Absinthe. Paris, c. 1914. The Museum of Modern Art, New York. Gift of Louise Reinhardt Smith. 

© 2015 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York.



왁스로 모형을 만들어 6개의 브론즈 작업으로 탄생한 이 작품은 브론즈로 만들어진 술잔과 각설탕 사이에 실제 압생트를 마실 때 사용되는 스푼을 부착하여 완성한 작품이다. 이 작품은 피카소가 최초로 일상에서 발견한 오브제와 결합하여 만든 작품으로 예술적인 것과 그렇지 않은 것의 경계에 대해 사고하게 했던 작품이다. 피카소는 조각작품의 표면에 작은 점들을 그리거나 모래로 표면을 문지르는 등 각기 다른 방식들을 통해 6개의 시리즈를 제작하였는데 이번 전시에서 최초로 이 모든 작품을 한 자리에서 만날 수 있다.



피카소의 조각작품 중 가장 사랑받은 작품 She-Goat, 1950



Pablo Picasso.She-Goat. Vallauris, c. 1950 (cast 1952). The Museum of Modern Art, New York. Mrs. Simon Guggenheim Fund. 

© 2015 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York.



피카소의 조각 작품 중 가장 실물과 흡사한 형상을 가지고 있으며 대중들에게 가장 사랑받았던 작품 ‘She-Goat’는 그가 프랑스 남부 발로리스(Vallauris) 지역에 머무르며 작업하던 당시에 만들어졌다. 이 지역은 현재까지도 도자기 비엔날레가 열릴 정도로 도자기로 유명한 곳인데, 피카소는 그곳에서 작업하면서 스튜디오 주변을 산책하며 발견한 버려진 쓰레기더미에서 찾은 재료를 가지고 작업하면서 많은 영감을 얻었다. 이 작품 역시 신체의 일부들을 그가 찾아낸 다양한 재료들로 제작하였는데, 야자수 잎은 염소의 척추와 이마의 형상이 되었고 나무 바구니는 배가, 그리고 두 개의 도자기 화병은 가슴이 되었다. 이렇게 완성된 형상은 무너지지 않도록 벽돌로 받쳐 석고모형으로 만들어지고 브론즈로 제작되는 과정 또한 주물을 부을 틀까지 모두 부분별로 분리해서 만드는 복잡한 과정을 거쳐 1952년 하나의 작품으로 탄생했다.



MoMA에서 최초 공개된 작품 Bull, 1958



Pablo Picasso. Bull. Cannes, c. 1958. The Museum of Modern Art, New York. 

Gift of Jacqueline Picasso in honor of the Museum’s continuous commitment to Pablo Picasso’s art. 

© 2015 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York.



피카소는 조각작업을 지속하면서 합판이나 철판 등의 재료를 사용하여 동물의 형상을 만들고자 다양한 연구와 실험들을 계속해왔다. 이 과정에서 탄생된 작품 ‘Bull’은 합판으로 소의 몸통을 만들고 테이블 다리, 야자나무 줄기, 빗자루 손잡이 그리고 버려진 나무 조각들 등으로 형태를 만든 후 못을 촘촘히 박아 소의 뻣뻣한 털을 표현하였다. 이 작품은 한 번도 대중에게 공개된 적이 없다가 1982년에 뉴욕 MoMA에 기증되면서 대중과 만날 수 있게 되었다.



MoMA에서 두 번째로 소개되는 피카소의 조각작품 전시


회화작가로 숙련된 피카소가 페인팅만이 아닌 조각작품을 열정적으로 제작해왔다는 것이 알려지게 된 것은 1966년 파리에서 기획되었던 대형 회고전을 통해서였다. 이듬해인 1967년 MoMA에서 다시 한번 그의 조각작품 전시가 개최되면서 이를 좀 더 심도 있게 들여다 볼 수 있는 계기가 마련되었다. 그로부터 50여 년이 흐른 2015년, 현재에 재조명해보는 피카소의 조각작품들은 우리에게 많은 메시지를 전달하고 있다. 그 이유는 지난 50년간 이루어진 과학기술의 비약적인 발전이 예술을 감상하는 방식뿐만 아니라 예술가들이 작품을 제작하는 방식에 커다란 변화를 가져왔기 때문이다. 이번 전시에서는 20세기 초반 피카소가 전통적인 작품제작 방식을 거부하고 새롭게 시도했던 다양한 실험과 그 작업과정 자체를 순수하게 즐겼던 일면을 찾아볼 수 있다. 이 같은 피카소의 조각작품은 그의 작품을 대하는 관람객과 수많은 예술가들에게 폭 넓은 영감을 주고, 현대미술의 범주를 확장하는데 중요한 계기를 제공하였다.



뉴욕에 머무를 계획이라면 현대카드의 후원과 파리의 국립 피카소 미술관과의 협업으로 기획된 ‘Picasso Sculpture’ 전시를 결코 놓치지 않길 바란다. MoMA의 전시를 가장 경제적이고 편안하게 관람하는 방법은 글로벌 뮤지엄 패스 프로모션을 활용하는 것이다. 현대카드 플래티넘 이상 카드의 소지자라면 본인 및 동반 2인(총 3인)까지 무료입장이 가능하다. 티켓 데스크에 줄 설 필요 없이 지정된 인포메이션 데스크에서 현대카드와 영문이름이 기재된 신분증을 제시하면 된다.




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Rober Gober: The Heart Is Not a Metaphor

October 4, 2014 - January 18, 2015

MoMA



뉴욕현대미술관(이하 MoMA)에서 선보이고 있는 로버트 고버(Robert Gober)의 전시는 미국에서 선보이는 작가의 첫 번째 대규모 회고전이다. 작가의 초기작들이 만들어졌던 1980년대의 작품부터 현재의 작업까지 총 130여 점이 소개되는 이번 전시는 작가가 30여 년의 시간 동안 발전시켜왔던 작품의 주제와 모티브 그리고 접근 방식들을 시대순으로 조명하며 기존의 조각작품뿐만이 아니라 사진, 판화, 드로윙 그리고 전시공간에 맞춰 새롭게 선보이는 설치작업 등이 선보인다.



The Heart Is Not a Metaphor

이번 전시 “The Heart Is Not a Metaphor”의 전시 타이틀은 작가가 1979년에 쓰여진 엘리자베스 하드윅(Elizabeth Hardwick)의 소설 “Sleepless Nights”에서 차용해왔다. 작가는 수수께기같이 알쏭달쏭한 전시제목을 선택함으로써 그가 작품에서도 자주 다루고 있는 이중성을 전시 전반에서 이야기 하고자 했다. 어린 시절, 기억, 상실 그리고 성(Sexuality)를 주로 다루며 그가 주시하고 있는 사회정치적인 맥락을 깊이 함축하고 있는 고버의 작품은 종종 초현실주의로 구분되고 있다. 그러나 그의 작품은 너무도 현실적이며 리얼하다. 


우리에게 익숙한 일상사물의 오브제들의 형태를 띠고 있는 작품들은 작가의 경험과 기억 그리고 상상에서 기인하다. 고버는 우리가 일반적으로 상상할 수 있는 ‘집’과 그 안을 구성하고 있는 이미지 그리고 종교적인 모티브들을 그의 작업 속에서 그만의 문법으로 재 구성하여 익숙한 오브제 속에서 낯섦을 느끼게끔 하는 이중적인 의미를 만들어 낸다.


출처: Arts Summary - Robert Gober (American, born 1954), 

Front: X Pipe Playpen, 2013-14, Wood and bronze, 26 1/8 × 55 × 55″ (66.4 × 139.7 × 139.7 cm). Collection the artist.
Back: Untitled, 1975, Oil on board, Oil on board 16 × 18 3/4″ (40.6 × 47.6 cm). Collection the artist. 
Photographs by Corrado Serra



2001년 베니스 비엔날레의 미국관의 작가로 소개되며 명성을 쌓아왔던 작가는 1954년 미국에서 중산층 가정의 카톨릭 집안에서 태어나 미들버리 컬리지(Middlebury College)에서 문학과 순수미술을 공부했다. 졸업 후 뉴욕에 정착한 고버는 목수와 아파트를 리노베이션하는 일들을 하며, 작품을 지속해왔다. 뉴욕의 Paula Cooper Gallery에서 선보였던 고버의 첫 개인전에서는 작가가 그의 방에 있는 작은 보드에 그림을 그리고 그 위에 그림을 또 그리며 그 과정을 사진으로 기록했던 작품 Slides of a Changing Painting (1982–83)이 소개되었었다. 의자, 창문, 사람의 토루소 등 집안의 일상사물들을 그렸던 이 작품은 그의 전반에서 중요하게 다뤄지고 있는 ‘일상의 기억’과 ‘기억에 대한 변형’에 시작점이라 할 수 있다. 


이후 1980년대부터 90년대 초반까지 그의 관심은 평면작업에서 입체작업으로 옮겨갔고 그의 작품에서 자주 다뤄졌던 어린이용 침대, 의자, 세면대, 욕조 등의 오브제들은 그의 어린 시절과 그가 생활했었던 공간에서 이뤄졌었던 드라마와 같은 일들 그리고 트라우마와 밀접한 연관이 있다.  이번 전시의 첫 섹션에서 소개된 그가 21살에 그렸던 그가 어린 시절을 보냈던 특별할 것 없는 회화작품은 그의 관심이 언제나 그의 ‘집’에 있었음을 설명하고 있다.



작품 세계의 변화 - 희망을 담은 메시지

전통적인 조각에 질문을 던지는 그의 작품은 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)의 작품과 자주 비교되어왔다. 그러나 그의 작품과 뒤샹의 작품의 가장 큰 차이점은 기성품을 사용했던 레디메이드(Readymade)의 뒤샹의 작품과는 달리 고버는 그의 작품들을 그의 손으로 하나하나 디테일들을 만들어 나갔다는데 있다. 1980년대에 만들어진 그의 대표작 중 하나 인 석고로 만들어진 세면대에는(Untitled, 1984) 수전이 있어야 할 자리에 두 개의 구멍만이 남겨져 있고 물이 배출되는 통로 또한 남겨져 있지 않다.  


또 하나의 대표작인 다리의 일부분만을 왁스를 사용해 만들어낸 작품 Untitled (1990)은 정교하게 만들어져 완벽한 피부를 보여주며 사람의 털을 사용하여 완벽한 다리를 재현하며 벽을 뚫고 나온듯한 형상을 하고 있다. 그리고 밀가루 자루에 표현 된 가슴 형상(Untitled, 1990) 등을 포함하여 고버의 작품들은 그의 개인적인 스토리들 또 동성애자인 작가가 에이즈(Aids)로 사망한 친구들 그리고 그가 과거에 믿었던 가톨릭 종교에 대한 깊은 감정을 전달하고 있다. 그럼에도 작가가 보내는 메시지는 긍정적이지도 부정적이지도 또 슬프지도 기쁘지도 않게 담담하다. 고버의 최근 작업들에서는 조각작품뿐만이 아니라 사진과 큰 스케일의 회화작업들이 중요한 역할을 하며 공간적인 설치작업들이 선보이며 변화를 보여주고 있다.
 

출처: Arts Summary - Untitled Leg, 1989-90, 

Beeswax, cotton, wood, leather, and human hair 11 3/8 x 7 3/4 x 20″ (28.9 x 19.7 x 50.8 cm). 

The Museum of Modern Art, New York, Gift of the Dannheisser Foundation. Photographs by Corrado Serra



이번 전시에서 그의 최신작품들이 과거의 작품들과 가장 크게 차이를 보이고 있는 부분은 비어있던 세면대에 수도꼭지가 있고 물이 흐르며 실제 역할을 해 내고 있다. 또한 막혀있던 교도소 창문은 뚫려있는 숲의 이미지로, 쥐약상자들은 물을 뿜어내는 수도꼭지로 바뀌었다. 이것은 그가 작품 속에 지속적으로 반영하고자 하였던 사회 정의와 자유 그리고 관용이 균형을 찾으며 미래에 대한 희망을 함축하고 있다고 보여진다.
 


출처: Arts Summary - Untitled, 1992, Plywood, forged iron, plaster, latex paint, lights, 

enameled cast iron, stainless steel, painted cast bronze, water, metal, lightbulbs, cast plaster with casein and silkscreen ink, 

photo-lithography on archival (Mohawk Superfine) paper, twine, hand-painted forest mural, 

511 3/4 × 363 3/16 × 177 3/16″ (1299.8 × 922.5 × 450.1 cm). Glenstone. Photographs by Corrado Serra



고버는 작가로서만이 아니라 미술관에 전시를 기획하고, 비엔날레에 참여하는 등 큐레이터로서도 활발한 활약을 해왔다. 이번 전시에는 그의 작가로서만이 창의력만이 아닌 아닌 큐레이팅 능력이 반영되었으며 그가 표현하고자 했었던 큰 사이즈의 공간이 필요했던 New England forest in Summer와 실제로 배수시설이 필요했던 세면대와 욕조작품을 위해 특별전시가 열리는 6층이 아닌 2층에서 전시가 진행된다.


 


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뉴욕은 독특한 문화와 환경을 지닌 매력적인 도시다. 맨해튼의 중심지 53번가에 있는 뉴욕 현대미술관(이하 MoMA)은 살아 움직이는 것 같은 이 도시에 방점을 찍어주는 장소다. 현대미술 만을 전시할 목적으로 만든 최초의 미술관으로 세계적인 근현대 미술 거장들의 회화 작품 외에 조각, 드로잉, 사진, 설치, 필름, 비디오, 건축, 디자인, 일러스트 등 다양한 장르의 작품들이 총망라돼 있다. 소장품은 현대 회화와 조각 3,200점을 포함해 약 15만점에 이르며 필름도 2만 2천여점을 소장하고 있다. 국적과 장르를 포괄한 작가 7만 여명의 파일, 예술 관련 정기간행물과 서적 30만권을 소장한 도서관도 명성을 자랑한다. 특히, 전통적인 회화나 조각뿐 아니라 영화, 사진, 건축, 디자인 분야를 정식으로 미술의 중요한 영역으로 동등하게 설정한 최초의 미술관이라는 평가를 받고 있다.

MoMA는 1929년 애비 앨드리치 록펠러와 그녀의 친구 릴리 블리스, 코넬리우스 설리번 등이 뜻을 모으면서 탄생했다. 특히 애비는 ‘금세기의 새로운 조형미술 활동을 일반에게 소개하며 이해를 촉진시키는’ 현대미술관 설립에 주축이 됐다. 그녀의 남편 록펠러 2세는 처음엔 반대했지만 결국 미술관 자리를 내 주었고, 거액을 기부했다. 블리스는 1931년 폴 세잔의 ‘목욕하는 남자’(1885년 작)를 포함한 수집품들을 한꺼번에 기증해 컬렉션의 품격을 단번에 끌어올렸다. MoMA는 2차 대전의 덕을 톡톡히 봤다. 나치가 퇴폐 미술로 낙인찍어 국제시장에 내놓은 현대미술 걸작들을 대거 수집할 수 있었고, 유럽에서 나치를 피해 온 이민자들이 가져온 작품들을 대거 기증하면서 중요한 컬렉션이 완성됐다.

박물관 건물은 필립 굿윈과 에드워드 스톤의 설계로 1939년 완공된 이후 1951년과 1964년 필립 존슨에 의해, 그리고 1984년 세자르 펠리에 의해 확장됐다. 개관 75주년을 맞은 2004년에는 6억5천만 달러를 들여 미술관 건물을 대대적으로 개조했다. 재설계를 맡은 일본 건축가 요시오 다니구치는 기존 건물을 바탕으로 하면서 전시공간을 2배로 늘렸고, 필립 존슨이 조성한 조각 정원을 더 확장해 도심의 문화 오아시스를 구현했다.

MoMA의 주옥같은 소장품 중 특히 우리에게 익숙한 작품은 고흐의 ‘별이 빛나는 밤’, 모네의 ‘수련’, 세잔의 ‘사과가 있는 정물’, 피카소의 ‘아비뇽의 처녀들’ 등이다. 단, 때에 따라 전시를 쉬는 작품도 있으니, 관심 있는 작품이 있다면 방문 전 미술관에 전시 여부를 확인하고 가는 것이 좋다. MoMA 4층의 Architecture & Design Gallery는 현대카드에서 후원하고 있다. 연 2~3회 MoMA의 중요한 건축과 디자인 분야 소장품 전시를 선보인다. MoMA에서 가장 공들여 기획하는 특별 전시들을 선보이는 6층은 반드시 둘러보는 것을 추천한다.


현대카드 플래티넘 이상 카드 소지자 대상

  • 무료 입장 (본인 및 동반 2인까지)
  • 티켓 데스크가 아닌 지정 인포메이션 데스크에서 무료 티켓 수령
  • MoMA 내 Café 2/ Terrace 5 이용 시 10% 할인
    • 이용 방법 : 해당 매장 이용 시 MoMA 무료 티켓 제시
  • 뉴욕 내 MoMA Design Store 에서 구매 시 20% 할인
    • 해당 매장 : 44 West 53 Street / 11 West 53 Street / 81 Spring Street
    • 방법 : 할인쿠폰 제시 및 대상 현대카드로 결제 (할인쿠폰 인쇄하기)



 

관람 시간

  • 토 ~ 목요일 오전 10시 30분 ~ 오후 5시 30분
  • 금요일 오전 10시 30분 ~ 오후 8시
  • 추수감사절, 크리스마스 연휴 휴관

관람 요금

표제목
대상 요금 기타사항
대인 $25 UNIQLO Free Friday Nights 행사 기간의 매주 금요일 16:00 pm-20:00 pm 입장 무료

  • Address11 W 53rd St, New York, NY 10019, United States
  • Tel(212) 708-9400
  • Webhttp://www.moma.org

Metro 이용시

  • E / M라인 탑승하여 53rd street and fifth avenue 에서 하차
  • B / D / F 탑승하여 47st-50st Rockefeller Center 에서 하차

Bus 이용시

M1, 2, 3, 4, 5 탑승하여 53rd street 하차



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  1. addr | edit/del | reply Favicon of http://anunmankm.tistory.com 버크하우스 2014.09.01 08:11 신고

    잘 보고 갑니다. 좋은 하루 되세요. ^^

  2. addr | edit/del | reply 라온채 2016.05.12 23:37 신고

    이거 때문에 카드 만들어야겠네요.
    좋아요~

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